Jerónimo e Belmiro contra os Aranhiços Marcianos

De vez em quando sou surpreendido pelas coisas mais (in)vulgares da rotina diária.

Quando entro numa superfície comercial, de imediato os meus olhos são assaltados pelos cartazes gigantes que anunciam as maiores e melhores promoções de sempre. O apelo ao consumo é imediato: ele é a luz direccionada para os belos kiwis portugueses, ou ele é o bife de alcatra que brilha na vitrina da charcutaria. Somos convidados a entrar no fabuloso mundo do consumo... volto a repetir: consumo (lá diziam os Repórter Estrábico).

Depois dos olhos ouvem os ouvidos. A música lamecha do Bryan Adams sempre pode ajudar a vender mais um livrinho da Margarida Rebelo Pinto, o James Brown faz sentir-nos numa ilha tropical cheia de coisas "boas e baratas", ou quiçá levar-nos-á ao cantinho do vestuário de forma a podermos substituir a velha indumentária por algo mais "cool". Objectivo: sentir-mo-nos bem. É essa a missão do velho James Brown.
De repente salta um David Bowie das colunas do "aglomerado comercial" e naturalmente passo a ser um ouvinte atento, tentando perceber se os tímpanos não estão a enviar impulsos nervosos enganosos ao cérebro. Não... é mesmo o Bowie de 72... melhor, o Ziggy Stardust. Fico a pensar um pouco. "Mas que raio faz o Ziggy aqui?".
O camaleão Bowie, ícone de uma geração bamboleante, com ganas de revolucionar, de agarrar nos anos sessenta e torná-los realmente irreverentes, é a personificação dessa geração, também em crise de identidade, nascida e criada numa sociedade em constantes convulsões (Maio de 68, a guerra do Vietname e a banalização do "Peace and Love" da geração hippie de finais de sessenta).

Ziggy Stardust, o esquizofrénico alter-ego de Bowie não foi propriamente um fenómeno anti-sistema, mas antes uma válvula de escape para os não-alinhados, para aqueles que buscavam a alienação de um mundo que permanentemente os desiludia. Seria Bowie um alienado que se refugiou na identidade de um esquizofrénico Ziggy? Ziggy não era deste mundo, Bowie era e continua a ser.
Vejamos então: o que vou eu consumir quando ouço Ziggy Stardust and the Spiders from Mars? Uma t-shirt, shampoo, tapetes? Nada? Bem, talvez um livro de ficção científica... Não... Ziggy não me impele a consumir nada, apenas a deixar-me levar para outro lugar.

A sociedade de consumo em que vivemos é capaz de subverter a lógica original de um "produto" marginal, alternativo, para tirar dividendos em seu proveito.

Os politizados Clash passavam há pouco nas colunas da mesma superfície comercial. Tão poucos como eles se insurgiram contra o sistema injusto do capitalismo. Agora as suas canções são produtos de marketing. Tal como Che Guevara.
O sarcástico e melodioso Morrisey também está cá metido. O que se passará?
Tento pensar racionalmente. Não creio que seja apenas a lógica do marginal-radical sinónimo de arrojo e irreverência a construir esta espécie de paradoxo. Penso nas estratégias de marketing promovidas pelos grupos económicos detentores das cadeias de distribuição, melhor, penso nas pessoas que comandam essas operações. Provavelmente rebeldes com e sem causa durante a adolescência, transformados em modernos Yuppies aos trinta e aos quarenta anos.

A formatação musical insuflada nos hipermercados diáriamente repetida até à exaustão é imposta por uma direcção de marketing empenhada em agradar o mais comum dos consumidores, mas também aqueles que como eles sentem uma espécie de vazio que os remete para um saudosismo, que, à falta de melhor é colmatado por uma selecção musical eclética mas pouco criteriosa do ponto de vista da homegeneidade estética própria de um local comercial.
Importar-se-ão Bowie e Morrisey. Provavelmente nem terão tempo para pensar nisso, num sistema que vive a dez mil à hora e em que o dinheiro comanda todos os sectores da vida activa.

Coincidência ou não, acabo de escrever esta opinião com uma caneta do Bloco de Esquerda que tem inscrito o seguinte: “Vota Anita”.
O Barco é o mesmo as soluções pouco ou nada diferem.


Desalinhados que alinham de vez em quando ou vice-versa:

Pixies – Something Against You vs. Here comes your man

Pearl Jam – Do the Evolution vs. Daughter

Weezer – Tired of Sex vs. Buddy Holly

Killing Joke – Asteroid vs. Love like Blood

Clash – London`s Burning – The Magnificent Seven

ETC, ETC, ETC, ETC

Pixies no Atlântico - Continuação da aula anterior

20 de Julho de 2006. Passaram cerca de 14 anos depois da dissolução dos Pixies, mas passaram também dois anos e meio depois da tão aguardada reunião. Eles fizeram-nos a vontade.

A digressão da reunião em 2004 trouxe-os a um Super Bock Super Rock completamente apinhado e louco para ver a banda que fez as delícias da adolescência de muitos trintões que se encontravam na assistência. A descarga de energia foi tal que em pouco mais de uma hora a banda tocou 28 temas, sem fraseados ou interlúdios pelo meio.

Em 2005, nova aparição, desta vez num cenário mais idílico: cabeças de cartaz do terceiro dia do Festival de Paredes de Coura. A única diferença digna de registo foi o início mais contido. Depois, a embalagem para nova descarga sem palavras, mas muitos gestos de simpatia e agradecimento - especialmente de Kim Deal.

Menos de um ano depois voltam para uma actuação em nome próprio. Momento propício para os fãns mais acérrimos poderem comprovar (ou não) a boa forma da banda e com eles partilhar as canções.

Os Vicious 5 saem do palco depois de uma actuação electrizante. mas demasiado redundante. A energia está lá, o vocalista instiga o povo a mexer-se, mas os temas (devedores de uns At-the-Drive-In ou até de uns Rage against the Machine) são demasiado parecidos entre si. De qualquer forma é uma banda cada vez mais consolidada no movimento rock português.

Uma longa espera entre as actuações. Tudo deve estar bem preparado para receber aqueles que todos querem (re)ver, ouvir, sentir...´

Às dez horas em ponto e como que por magia, David Lovering corre e senta-se na bateria (não fosse ele o simpático mágico de serviço). Reconhece-se a batida de "Bone Machine". Povo aos saltos. Logo de seguida, Joey Santiago, Kim Deal e Frank Black (Francis). Ovação geral de cerca de cinco mil gargantas.

Mais uma vez os temas surgem a um ritmo alucinante: "Crackity Jones", "Broken Face", "Levitate me" e todas as seguintes são tocadas sem paragens.

A qualidade sonora é sofrível com o Pavilhão dividido ao meio.

Kim Deal vai dizendo "muchas gracias", apercebendo-se mais tarde que Espanha é só no dia seguinte. Fuma quase ao ritmo dos temas debitados pelo P.A. do Atlântico. Velocidade relâmpago.

Frank Black (Francis) apenas canta e balança o corpo enquanto dá uns passos para trás no final dos temas ou quando não é ele o protagonista principal.

Joey Santiago está concentrado, olha para os colegas enquanto faz os tão característicos pseudo-solos. David Lovering é todo sorrisos - especialmente quando canta "La la love you" no segundo encore da noite.

Kim Deal já agradece timidamente em português. O sorriso também não lhe sai da face e os cigarros continuam a ser acesos regularmente. O público gosta dela: "Tame" e "Gigantic" provam-no.

Frank Black (Francis) continua "calado" e sereno, subvertendo alguns dos temas onde a sua voz se destaca pela irreverência ("Vamos" é um claro exemplo), berrando nas "linhas musicais" mais improváveis.

"Caribou" é o ponto alto. Voltei a ter quinze anos.

Frank parece olhar para mim e para a t-shirt que levava vestida. nela estava apropriadamente escrito "Fast Man" (Título do primeiro disco do ábum duplo a solo de Frank Black, lançado à um mês atrás). Esboça um sorriso e faz um trejeito de assentimento com a cabeça. Aparência? Talvez...

Mais tarde despedem-se do público que grita desalmadamente por eles. Joey continua tímido e David divertido.

Sem pronunciarem uma palavra percebemos que a brincadeira consiste num suposto entorse do pulso de David que fica impossibilitado de tocar e consequentemente continuar o espectáculo. Frank Black (Francis) abre e fecha os braços como que a dar por terminado o concerto e diz as únicas palavras para além das letras: "Muito Obrigado". Subitamente David beija a suposta mão magoada, "et voilá", um toque de magia cura o entorse e permite um encore com nova revisitação a "Surfer Rosa". "Where is my mind?" abre e "Ed is Dead" fecha em grande, mas o público quer mais. Voltam. Tocam "Here comes your Man". Despedem-se de novo. O público grita, chama por eles, mas são onze e meia. Hora certa.

Onde é que eu já vi este filme?

Belle & Sebastian no Coliseu - Elegia Pop

Que bom é disfrutar docemente cada pedacinho da vida. Assim poderia descrever sucintamente o concerto dos escoceses Belle and Sebastian num Coliseu dos Recreios muito bem composto.
Estava convencido de que era a primeira actuação da banda em Portugal, mas já por cá haviam passado num festival de Verão.
Primeiro e único ponto negativo do evento: o atraso de quarenta e cinco minutos, coisa habitual e lamentável em algumas salas de espectáculos lusas. O desfile de deliciosos pedaços pop da melhor estirpe dos últimos dez anos começou assim às dez e quarenta e cinco.

Stuart Murdoch foi o anfitrião da festa, sempre coadjuvado pelo multi-instrumentista Steve Jackson. Este não foi o único a tocar vários instrumentos. Todos os músicos tocaram e trocaram de instrumentos, numa demonstração de versatilidade e maturidade musical por vezes rara numa banda de pop actual.

Mais timídos de início os músicos acabaram por se deixar embalar pelo ambiente quente e festivo do público que nunca se cansou de aplaudir efusivamente cada um dos temas, e de fazer inclusivé, várias sessões de "discos pedidos" - um deles acabou por ser satisfeito já perto do final: "Like Dylan in the movies".

"Este público é melhor que o de Madrid" disse Murdoch depois de todo o público ter assobiado com ele a parte final de "Loneliness of a Middle Distance Runner"

Depois da desinibição a festa completa com Stuart Murdoch a dançar incansávelmente, a incentivar o público a fazer o mesmo e os músicos a viajarem para diversos pontos do palco.

"The Life Pursuit", o último registo de originais dos Belle and Sebastian lançado este ano, poderia ter sido o mote principal do concerto, mas como referiu Murdoch num português esforçado e com cábula, que, sendo este o primeiro concerto da banda em Lisboa iríamos ter direito a uma bonita viagem ao passado, com passagem pelos incontornáveis "If you`re felling sinister", "The boy with the arab strap" e o primeiro registo, "Tigermilk". O tema título de "The Boy with the Arab Strap" foi aliás um dos pontos altos do concerto.

Inevitável foi a passagem pelo supracitado "The Life Pursuit", que provou a excelente forma dos Belle and Sebastian, em temas como: "Another Sunny Day", "For the Price of a Cup of Tea" ou "White Collar Boy". Isobel Campbell já cá não está, mas os B&S continuam bem e recomendam-se. Este foi aliás um disco que trouxe nova frescura à sonoridade de marca de banda. Continua lá o ambiente campestre e pastoril, mas agora há espaço para a dança, para a festa, para revisitar os Beach Boys e os Beatles.

O espectáculo continua e Murdoch volta a ser um adolescente quando pede um cigarro a uma rapariga do público e a convida para subir ao palco para com ele dançar "Jonathan David". Estamos em 2006, mas o espiríto continua em 1996. A mudança aconteceu, mas maneirinha e contida.

Depois do maravilhoso "The State I`m In" e de hora e meia de concerto saem do palco e voltam a entrar pouco depois sob os intensos aplausos da plateia e bancadas da sala lisboeta. Tocam mais dois temas. Saem outra vez, o público anseia novo regresso que acaba por não acontecer.

Que em 2016 o espiríto permaneça em 1996, mas que no mesmo período temporal as visitas a Portugal sejam mais regulares.

Frank Black: Dose Dupla com Fast man Raider man

Fast man Raider man, o último disco de Frank Black vem confirmar a boa forma do músico, numa altura em que os Pixies regressam para mais uma digressão.

Se Honeycomb (o registo de 2005) havia deixado boas pistas (leia-se canções) quanto à capacidade de Black se metameforsear em cauntautor das profundezas dos sul dos E.U.A., Fast man Raider man consolida o seu estatuto de songwriter meticulosamente construído a partir de "Dog In the Sand" de 2001.

Desta vez, e tal como no anterior, sem os Catholics, Frank Black "muniu-se" de autênticas lendas vivas do southern country-folk-rock para gravar Fast man Raider man. Entre eles contam-se: Steve Cropper, guitarrista que já trabalhou com Otis Redding, Jeff Beck, ou B.B. King; Levon Helm, o multi-facetado instrumentista da The Band; Spooner Oldham, o teclista que gravou com Bob Dylan, Aretha Franklin, Neil Young entre outros; e ainda os bateristas Billy Block, Chester Thompson (o acompanhante habitual de Phill Collins) e Steve Ferrone. Mas o rol de estrelas não acaba por aqui.

Gravado em Nashville, Fast man Raider man, é a melhor fatia do bolo quando comparado a Honeycomb. Aliás, uma fatia com elevado teor calórico: vinte e sete canções num álbum duplo.

A linha musical segue as pisadas do antecessor, mas está mais apurada com a produção de Jon Tiven, que parece ter deixado transpirar as emoções dos músicos que passaram pelos estúdios e coloriram cada uma das vinte e sete canções.

Esteticamente o conjunto de canções é homogéneo, muito embora a diversidade de ambiências musicais seja uma constante: "Johnny Barleycorn" é rock quadrado sem espinhas, apontado a todos os poros do corpo, "Sad Old World" é uma balada country que podia ter sido escrita nos anos cinquenta, não fosse o pseudo-sarcasmo de Black depois do solo de guitarra: "Hello... No, I mean, You...", a fazer lembrar um Elvis Presley apaixonado mas de poucas palavras. Ficam ainda óptimos momentos como: "Holland Town", "You can`t crucify yourself", " o dueto com Marty Brown em "Dirty Old Town", "Dog Sleep" ou "When the Paint grows Dark and Still".

Se Honeycomb era um bom vinho novo, generoso, mas sem exceder as expectativas, Fast man Raider man é um vinho maduro, estagiado em cascos de carvalho que deleitará o "palato" auditivo de quem o ouvir.

O melhor, a seguir ao inigualável Teenager of the Year.

Your days of plenty are numbered

E se de repente, os mais desfavorecidos invadissem as mansões luxuosas dos ricalhaços quando estes estivessem de férias? Não para roubar repare-se... mas apenas para lhes dar uma lição, pregar-lhes um sustozito, para lhes mostrar que mesmo com todo o dinheiro que têm, continuam tão vulneráveis como toda a gente, talvez até mais! Numa expressão já sobejamente conhecida, embora muitas vezes mal interpretada: "guerra de classes"!

The Edukators, your days of plenty are over ("Fetten Jahre sind vorbei, Die"), filme alemão de 2004, nomeado para a palma de ouro em Cannes. Possui um bom conjunto de actores, destaque para Daniel Brühl (de "Goodbye Lenin") e para Julia Jentsch (que "alegrará" os olhos masculinhos mais exigentes, na minha humilde opinião). Mas os grandes méritos do filme, são de facto a história e a mensagem que passa. Distanciado-se dos filmes exclusivamente "mais politicos", mas também dos típicos filmes de ficção com mensagem oca (a.k.a. filmes para pessoas com personalidade loura e/ou de propaganda ideológica camuflada), The Edukators faz a fusão entre estes dois géneros. Ou seja, faz um filme com uma mensagem politica forte, mas que dá gosto vêr, pois dá para rir e dá para pensar.

O argumento é simples, os Edukadores invadem as casas dos ricos, quando estes menos esperam, fazem pirâmides com os seus móveis, metem aparelhagens no frigorifico, metem sofás na piscina, metem as joias de familia na sanita... A unica regra é, ninguém rouba nada!! Pois isso faria deles ladrões. O que interessa é o susto. E deixar-lhes uma mensagem escrita com frases como "Os teus dias de fartura estão contados" ou "Tens dinheiro a mais". Em resumo, atormentar a vida aos que tão bem demais na vida, à custa do trabalho duro dos outros. Dar-lhes uma lição. Ou como diria o presidente Bush: terrorismo urbano no seu melhor.

Obviamente que um plano destes, mais cedo ou mais tarde dará para o torto. Porque as pessoas são humanas e os erros acontecem. E rapidamente os idealistas Edukators vêem-se forçados a fazer coisas que não gostariam de ter que fazer...

Revolucionaram, odiaram, depois amaram e sem ideias acabaram

1995. Onze anos passados sobre o lançamento de um dos álbuns mais polémicos e influentes da história da música pop. Em 1984, Psychocandy foi a pedrada no charco que os Jesus and Mary Chain decidiram mandar, molhando todos aqueles que acharam que pouco ou nada podia ser feito na cena pop-rock depois da revolução punk dos Pistols e dos Clash (pra não falar da cena no outro lado do Atlântico com os Ramones ao leme).
Psychocandy foi o manifesto feito de guitarras em ponto de rebuçado, prestes a explodir no acorde (feedback) seguinte. À simplicidade e arrojo dos Velvet Underground juntaram as melodias dos Beach Boys e depois carregaram na panóplia de efeitos (distorções, phazers, fuzzs, eu sei lá que mais) e mandaram as boas maneiras às urtigas (concertos de 15 minutos voltados de costas para o público que normalmente acabavam em motim incontrolado). Em 1995, dizia então, já depois de alguns pequenos tropeções (Automatic de 1989) e das pazes feitas com as canções (Stoned and Dethroned de 1994), os Jesus and Mary Chain tentaram mais uma vez revolucionar. "I Hate Rock n`Roll" foi o ep lançado em formato "tentativa de pedrada no charco, pt. 2". O problema é que a pedrada desta vez passou ao lado do charco, acertando por ventura nalguns ouvidos menos propensos a frases de ordem ditadas contra as máquinas de divulgação e comunicação do universo musical (e porque não cultural) mais mainstream e mais massificado: "I hate the MTV, I hate them when they`re pissing on me". Os rapazes rebeldes sem causa de 1984 tornaram-se nos homens sem causa que decidem disparar em todas as direcções procurando porventura a atenção que deixaram de ter durante toda a primeira metade dos anos 90.
Esta atitude de quem está inserido no sistema e o denuncia de dentro para fora é por demais conhecida e quando bem usada consegue realmente abanar algumas estruturas, sem no entanto as conseguir derrubar. Aliás, parece ser mesmo assim que a indústria se alimenta. Músicos, performers, artistas no geral denunciam, e a "máquina industrial", numa atitude aparentemente ignorante promove as obras que à partida a levariam à ruína, mas incrivelmente, os discos e as obras vendem, perpetuando assim um ciclo viciado, dificilmente desconstruído.
Ora, se em 1995 os Mary Chain dizem estar fartos do rock e especialmente da indústria viciada que o promove, fazem-no de uma forma terrivelmente cínica e infantil e como exemplo temos mais uma vez: "I hate the BBC, I hate when they´re shittin` on me". Ahh, e depois há ainda a parte final da faixa em que, de rebeldes mercenários, passam a vítimas de uma "guerra injusta": "Rock n`Roll hates me". Obviamente não poderiam ser levados a sério. Chavões deste género são proferidos todos os dias por músicos mais ou menos frustrados que têm de encontrar a culpa para o seu insucesso num qualquer bode expiatório mais próximo da mira das suas armas verbais.
O exercício dos Mary Chain teria ainda assim um valor de contestação (pobre é certo) datado, não fosse o desmentido que acabaria por sair 3 anos depois no derradeiro album "Munki", "I love Rock n` Roll". Afinal eles gostam de rock, estavam só a brincar. Em que ficamos? Já cresceram? Amadureceram? Assentaram ideias ou ainda gostam de disparar a pistola em qualquer direcção? Hoje não gosto de favas com chouriço, mas amanhã é o meu prato favorito.
Contudo, " I hate Rock n` Roll" é um exercício vazio apenas liricamente. Instrumentalmente, o ep e especialemente a canção não trouxe nada de novo ao som "Mary Chain", mas não deixa de ter pormenores muito interessantes, designadamente no emparelhamento de efeitos e ruídos a meio da faixa.
Caso para dizer: gostava de ter de novo 16 anos e enredar-me nas minhas próprias contradições.

coisa ruim mesmo!

pronto! vi o filme.

nem sei se a ruim chega, apesar da Castello Lopes o catalogar como filme de terror!! documental ficcionado, talvez...

insípido, vale-se de um rol de papões chavão nos sussurros da superstição. adquire tom imparcial no confronto com as teorias científicas e faz um sublinhado com personagens-tipo... (muito vincentino, sim-senhor!) :

- o facto do pai de família, que a arrasta pra casa-herança-assombrada, ser biólogo é irrelevante e muito mal fundamentado: assim uma coisa chapada, vinda do nada.

- os aldeões são uma amálgama sombria extremada .... chapados, vindos assim duma profundeza demasiado superficial.

o suspense acaba à primeira machadada nos primeiros segundos de filme.

segundo guedes de carvalho, o argumento foi limado porque ele não gosta de filmes em que tudo é explicado tim-tim por tim-tim.... que se terá passado, então? a lima não devia ser das boas.

alguém me dá um "bola de neve"?

The Boo Radleys, passo Gigantesco em 1993

Os Boo Radleys foram uma das bandas mais criativas do movimento britânico dos anos 90. Formados ainda nos anos 80 (precisamente em 1988), a banda foi influenciada tanto pelos Velvet Underground, como pelos Beatles, pelos Pink Floyd como pelos Beach Boys ou ainda pelos mais contemporâneos My Bloody Valentine ou Stone Roses.

Os Boo Radleys são um daqueles casos paradigmáticos em que a junção de uma miríade de influências não é necessariamente sinónimo de reciclagem. Se nos dois primeiros discos "Ichabod and I" e "Everything`s Alright Forever" se encontra uma colagem mais ou menos óbvia ao movimento shoegazing (guitarras em delírio) de uns My Bloody Valentine ou de uns Jesus and Mary Chain, em Giant Steps os Boos afirmam a sua individualidade, a sua personalidade musical. As influências estão lá, e são perceptíveis, no entanto encontram-se dilíudas num caldeirão onde foram habilmente misturadas de forma a resultar numa "receita" inovadora: as guitarras em ácido de "I Hang Suspended" sucedidas de uma melodia vocal e até instrumental devedoras de uns Beatles. Há incursões reggae em "Upon 9th and Fairchild" e no single (que tema) "Lazarus", melodia à la Beach Boys com laivos de Cure em "Wish I was Skinny".

Giant Steps é um disco de canções, daquelas que num instante estamos a cantarolar e de repente nos ferem os ouvidos com pedaços soltos de ruído branco. Todo o disco se encontra polvilhado com rasgos psicadélicos que vão do feed-back "doloroso" das guitarras, à espiral de ruído que quase abafa todos os instrumentos (ouçam a parte final da excelente "Leaves and Sand" ou também o final de "Butterfly McQueen"- será uma alusão a Steve McQueen o actor no famoso "Papillon"?.

Para ouvir do início ao fim, bem alto e sem consumo de substâncias ilícitas pelo meio. Os danos causados poderão ser irreversíveis.

De referir que o principal mentor do projecto, Martin Carr, tem actualmente um projecto bastante interessante em nome próprio denominado Brave Captain.

Nebulosidade Transitória

Antes de avançarmos para o meu primeiro rebuçado, que muito me agradou no ano de 2005, quero agradecer ao Pitta por este delicioso convite. Ora então aí vai, o rebuçado supracitado pertence aos Ladytron, chama-se "Witching Hour" e é, na minha opinião, a melhor agregação de temas que a banda de (difícil de rotular, mas) pop rock alternativo e indie electrónico fez.

Depois de uma pequena jornada, pelo synth pop (natural e oportunamente pelo electroclash), com os álbuns "604", em 2000 e "Light & Magic" em 2002, a banda partiu, em 2005, para o rock alternativo. A pop não deixa de estar bem patente assim como os sintetizadores, no entanto deram grande parte do seu espaço às guitarras distorcidas e aos baixos potentes, elementos responsáveis pelas melodias sedutoras, fantasiosas e enérgicas.

A voz condutora das músicas está a cargo de Helen Marnie, cujo empenho contribui para que as músicas difundam uma envolvência que mais nenhum álbum de 2005 me transmitiu. Ora se apreciam temas potentes como “Sugar”, ora se apreciam temas quiméricos como “International Dateline” ou “Soft Power”

É por isso que recomendo que o oiçam com as colunas num volume generoso e experimentem a energia nublada e sombria, ora enérgica ora fantasiosa que o álbum transmite, através de uma natureza transitória, tal como as relações, tal como a destruição, tal como a guerra, tal como esta crítica.

O deserto segundo David Lynch

Dune(1984) de David Lynch

Antes demais, queria agradecer o convite para participar no Rebuçados Aleatórios. Obrigado Pitta. Vou tentar dar o meu melhor. E pronto, queria também mandar um "Olá!" (não necessariamente o gelado) aos restantes companheiros de blog.

Escolhi para a minha estreia aqui no blog, um grande filme de culto: o Dune de David Lynch (featuring Sting). Baseado num livro escrito por Frank Herbert, que teve já direito a duas versões, esta que vos falo hoje e outra mais recente, em 2003, que tentou colmatar aquilo que a versão de Lynch não conseguiu fazer tão bem: ganhar dinheiro. Houve também uma mini-série, baseada nesta história, Children of Dune, que conta os eventos que se passaram a seguir à história original, que recomendo também bastante, mas que não é para aqui chamada agora.

David Lynch, goste-se ou não dele, é um realizador único. Os seus filmes não são fáceis de digerir decerto, sendo ele por isso, um pouco ignorado pela multidão cinéfila mais mainstream. Mas Dune, é provavelmente, um dos seus filmes mais acessiveis: consegue-se chegar ao fim e perceber a história toda. Não sendo contudo, um filme para se perceber totalmente à primeira vez, é um filme para se vêr várias vezes, para se ir descobrindo os pequenos pormenores, devagarinho e com paciência.

Dune, passa-se num futuro distante, no ano de 10191, sendo o desértico planeta Arrakis (o planeta onde ninguém se lembra da ultima vez que choveu), o terreno de batalha entre 2 facções de Nobres rivais, os Harkonnem e os Atreides, que se degladiam num confronto armado pelo imperador do universo, a fim de eliminar os Atreides, e pôr os brutais e impiedosos Harkonnem a controlar o planeta. Pelo meio, o povo oprimido dos Fremen, escondido nos desertos, que luta pelo direito a viver no seu planeta natal.

Quem dominar este planeta, dominará o universo, pois apenas aqui cresce a especiaria Spice Melange. O bem mais importante deste futuro longinquo. Esta especiaria, é de facto, uma poderosa droga, que dá poderes fantásticos a quem a consumir, levando a uma fantástica evolução da mente do seu consumidor.

O filme gira aliás, sempre em torno da mente e dos seus poderes. A evolução tecnológica como conhecemos hoje, já não faz mais sentido naquela civilização, focando-se por isso, principalmente no desenvolvimento da mente em detrimento das máquinas.

Apesar, de ser feito em 1984, o filme está ainda dentro da data de validade, e bom para consumo. Os efeitos especiais, longe da sofisticação actual, não envergonham o filme. E a banda sonora cria um ambiente propício, bem como as interpretações dos actores. David Lynch na realização faz o resto, cria uma experiência sensorial bastante impactante e emotiva. A qual, acrescente-se, é enigmática e perturbante.

Interessante no filme para mim, são também os pequenos pormenores. O bem mais importante naquele universo, é uma droga com efeitos psicadélicos: Frank Herbert seria um hippie que gostava demais do LSD e lhe dedicou um livro? E será Arrakis uma metáfora ao Médio Oriente? Um deserto onde a água é preciosa, e forças invasoras lutam para ter acesso ao bem mais poderoso do território. Poderá a Spice Melange ser uma metáfora ao petróleo também? E se assim for, não representarão os Fremen, todos os árabes oprimidos que se voltam em Jihad (no filme, os próprios Fremen usam essa expressão) contra o mundo ocidental?

E pronto, já está. Vão ver o filme, se ainda não viram. É um crime não o conhecer. Não tenham medo dele. Como se diz no filme: "Fear is the mind-killer"!

Dentro de "Mar Adentro"

Ainda antes da pérola dos Boo Radleys, vou falar de um filme que vi recentemente na TV.

Já tinha ouvido falar muito bem de "Mar Adentro", mas decidi tirar a prova dos nove enquanto fazia um zapping que acabou exactamente no canal onde começava o filme.

Mar Adentro é um dos filmes mais bonitos que tive oportunidade de ver nos últimos tempos. A minha opinião poderá parecer um tanto ou quanto estranha quando o tema central da narrativa é a morte e particularmente um assunto tão delicado como a questão da Eutanásia.

Baseado em factos verídicos, o filme conta a história de Ramón Sampedro (Javier Bardem, numa excelente interpretação), um paraplégico que luta pelo direito de poder escolher morrer. Paralisado numa cama durante 26 anos, Ramón decide avançar com um processo judicial onde pretende, através das vias legais e com a ajuda de uma organização pró-eutanásia, morrer com dignidade.

Alejandro Amenábar, que muitos devem já conhecer como realizador de "Os Outros" ou de "Abre los Ójos" (que posteriormente foi reapropriado para a realização de "Vanilla Sky"), consegue captar em Mar Adentro momentos verdadeiramente oníricos, sem ceder um pouco ao tema que pretende abordar. A sequência do sonho de Ramón é na minha opinião uma das mais bonitas de todo o filme, transportando-nos para um universo mágico-realista, onde somos convidados a sonhar acordados através dos olhos da personagem.

O retrato da família galega de Ramón foi também um aspecto que achei curioso, na medida em que a proximidade física e cultural com Portugal, me permitiu encontrar afinidades muito concretas com a nossa forma de ser e de estar na vida. São disso exemplo, a firmeza e obstinação de Ramón, a mentalidade conservadora do seu irmão, a simplicidade de Rosa e o saber popular do seu pai.

Depois há toda a narrativa, as relações pessoais, a conflitualidade social e institucional, e no centro a espiral inevitável da morte, trágica, mas bela.

A morte que presenciamos em "Mar Adentro" não nos perturba. Amenábar ameniza o tema, com um complexo jogo de relações pessoais, afectos e emoções, relativizando a importância da questão burocrática e judicial de todo o processo. São poucas as cenas em que presenciamos aspectos que tenham a ver com questões político/institucionais, e quando tal acontece é pela necessidade do próprio argumento (Ramón Sampedro teve de enfrentar de facto a justiça).

Em suma, para Amenábar a morte é tão bela quanto a vida. Nós que observamos atentamente os seus filmes achamos o mesmo.

Rebuçado com elevado teor calórico e de difícil saturação

Frank Black voltou a juntar os Pixies há cerca de ano e meio (talvez dois), tal como os houvera dissolvido há 13 anos atrás. Serve esta assumpção para concluir que nunca ninguém teve dúvidas de que Frank Black sempre foi a força criativa por trás da sua banda. Depois da dissolução desta em 1993 isso voltou a ser provado, com Frank Black a lançar-se de imediato na aventura a solo com o álbum homónimo do mesmo ano. Foi um bom prenúncio para uma carreira a solo com 12 anos que se viria a revelar com alguns altos e baixos.

Esse primeiro disco foi muito bem recebido pela crítica, mas não tanto por um público que teimava em não esquecer o passado de uma das bandas mais importantes da cena alternativa dos finais dos anos 80 (curiosa a aparição de Gilby Clarke que havia tocado no último disco dos Guns n`Roses).

As pistas deixadas nesse álbum mostravam um escritor de canções empenhado em desvincular-se do seu passado com os Pixies, sem no entanto calcorrear caminhos demasiado arriscados. Isso só viria a acontecer um ano depois.

Em meados de Agosto de 1994 lembro-me de sair da antiga Valentim de Carvalho do Rossio com o novo disco de Frank Black nas mãos. Ao contrário de muitos fãns dos Pixies, eu continuava interessado na carreira a solo de Black, portanto a expectativa era de facto grande (até porque o cartão de visita do disco, "Headache" tinha-me deixado boas impressões 3 meses antes).

Ao colocar o cd no leitor de um amigo, lembro-me de lhe comentar aos primeiros acordes de "Whatever happened to Pong": "Era mesmo isto que queria". O ínicio sumptuoso com os teclados de Eric Drew Feldman (Beefheart e mais recentemente dEUS) e as guitarras descontroladas de Black e Lyle Workman aguçaram-me o apetite para o que aí vinha. E o que aí vinha era mesmo muito bom. "Thalassocaracy" (mas porque raio uma música sobre o domínio dos mares que junta também o czar Romanov?), é rápida, quase punk rock com um vigoroso solo final de guitarra de Workman. Depois vêem as pérolas: "Calistan" com um teclado subtil e cumpridor e a guitarra (quase slide) a pontuar a harmonia; "The Vanishing Spies", com a bateria de Nick Vincent a comandar e os teclados a terem papel preponderante em toda a ambiência; o primeiro single "Headache", canção despudoradamente pop, tal é a simplicidade e a inocência de toda a composição; "Freedom Rock" é rock puro, quase visceral, pontuada por um ambiente reggae no meio; "Big Red" é swingada com refrão em crescendo.

As letras de Black são o equivalente musical de alguns filmes de David Lynch (ninguém lhes consegue descortinar um sentido que propositadamente não existe, mas quase toda a gente gosta deles). A imensa bagagem cultural do músico é despejada num caldeirão e misturada para dar origem a temas que tanto falam, numa única música, de um antigo jogo de máquinas, como do escritor H. G. Wells.

Poderia ficar por aqui a falar das vinte e duas faixas que compõem "Teenager of the Year", até porque na minha opinião não existe neste disco uma má canção. Seria, no entanto, um exercício moroso e eventualmente maçador.

Miguel Franscisco Cadete escreveu assim num conhecido semanário musical da nossa praça aquando da saída do disco: "Teenager of the Year é uma máquina de viajar". Eu acrescento que nesta máquina de viajar todos os pontos assinalados no mapa são de visita obrigatória.

P.S. : O único ponto menos positivo de "Teenager of the Year" é a capa que não sendo um primor do design gráfico evidencia o tom jucoso e provocador de Black relativamente à indústria discográfica.

Tennager of the Year:

Frank Black: Voz e Guitarra

Eric Drew Feldman: Baixo, Teclas, Sintetizadores

Nick Vincent: Bateria, Baixo

Lyle Workman: Guitarra

Joey Santiago: Guitarra

Moris Tepper: Guitarra

David Bianco: Engenheiro de som, mistura

Al Clay: Produção

Pitta

Intervalo para "Intermission"

Ontem decidi alugar um filmezinho. Estava com vontade de exercitar os neurónios, ao contrário do que acontece na maioria dos fins-de-semana em que só me apetece refastelar no sofá e ver um daqueles "blockbusters hollywoodescos" (excepção feita à programação televisiva da maioria dos canais, onde são raros os bons "blockbusters" que passam). Bem, mas como dizia, no vídeo-clube deparei-me com uma escolha difícil: "Team America" (não, ainda não vi) ou "Intermission". Salvas as devidas diferenças entre ambos os filmes e devido à tal necessidade preemente de pôr os neurónios a funcionar, decidi que seria mais sensato alugar "Intermission", até porque mais facilidade terei em ver "Team America" numa das sessões de cinema nas Caldas da Rainha.

Seleccionado para uma série de Festivais de Cinema (tendo inclusive sido nomeado para alguns prémios, "Intermission" pareceu-me ser, pela sinopse que li, uma intricada teia de relações - e confusões - entre pessoas; um exercício de exploração de personalidades mais ou menos bem construídas.

Não andei longe da verdade, mas no entanto, "Intermission" não foi tão complexo e tão profundo como pensei. Em termos genéricos o filme explora a relação que se constrói entre pessoas de uma mesma comunidade, tendo em consideração as implicações que um ou vários acontecimentos podem ter na manutenção e mesmo na construção dessa relação.

Lehiff (Colin Farrell) é um ladrãozeco de bairro constantemente ameaçado pelo "abrutalhado" detective Jerry Lynch (Colm Meaney). John (Cillian Murphy) acabou recentemente com a namorada e o seu amigo Oscar (David Wilmot) não consegue obter prazer sexual há algum tempo. Estas são algumas das personagens que aparentemente não têm qualquer relação óbvia entre si, mas que com o desenrolar dos acontecimentos acabam por estabelecer uma conexão mais ou menos próxima. Acontecimentos muitas vezes banais têm repercussões enormes na vida daquelas pessoas. Estamos perante o típico jogo cliché de relações causa-efeito.

Estão a ver "Trainspotting", "Cães Danados" ou "Pulp Fiction". Andamos por aqui, mas sem lá chegar, se é que me faço entender. No entanto, o propósito do realizador John Crowley não caiu de todo por terra. Longe disso. O filme está bem conseguido, tem interpretações muito boas dos jovens actores, ainda que a meu ver o melhor seja mesmo Colm Meaney no papel do detective sem escrúpulos (muito boa toda a sequência do pseudo reality - show por ele idealizado). Aaaah e depois há aquela pronúncia irlandesa que também parece ter um papel contextualizador de toda a acção narrativa.

Achei abusiva e despropositada a câmara à mão em muitas das cenas do filme. Não foi uma mais valia para o fluir da narrativa, nem uma opção estética que oferecesse maior riqueza visual, nomeadamente nas cenas de maior acção.

Se querem mesmo exercitar os neurónios não o vejam. Se querem passar um bom momento num qualquer intervalo entre uma ida à casa-de-banho e a escrita de um post neste Blog, vejam sem complexos.

Pitta

Um rebuçado perdido há 12 anos

Os Teenage Fanclub são daquelas bandas que durante a sua (já longa) carreira não conseguiram gravar um mau disco. Verdade seja dita que também nunca chegaram aos píncaros da genialidade - embora tenham andado lá perto com "Bandwagonesque".

Formados em 1989 em Glasgow, os Teenage Fanclub cedo começaram a compôr músicas que tanto iam beber a Neil Young como aos Beatles, Velvet Underground ou Big Star. O elemento mais peculiar e original da banda residia, nesta primeira fase da sua existência, no facto de, à delicadeza das melodias conseguirem aliar a aspereza das guitarras percurssoras do espírito grunge dos Nirvana.

O terceiro disco dos Fanclub, "Thirteen", foi lançado em 1993 e tem muito apropriadamente 13 faixas. Foi o difícil disco gravado depois da excelente recepção crítica do anterior (o supra- citado "Bandwagonesque"). Logo é um daqueles discos que, como muitos outros, sofre o síndroma do desprezo evitável (exemplos concretos: "In Utero" dos Nirvana ou "Bossanova" dos Pixies). A própria banda parece refém desse desprezo a que provavelmente se deve votar um disco que não é de todo uma surpresa ou uma "pedrada no charco", ainda que musicalmente irrepreensível. Exemplo disso mesmo é o não alinhamento de músicas desse disco nos concertos da banda de há uns bons anos para cá.

Falemos então da "matéria - prima". Há cerca de 9 anos atrás, alguns segundos depois de ter introduzido "Thirteen" no leitor de cd`s, lembro-me de ter pensado em relação a "Hang On", a primeira faixa: "isto é uma música de Nirvana". Falso alarme. O som ríspido das guitarras e a sequência de acordes induziu-me em erro. Logo depois a melodia açucarada das vozes (os Teenage Fanclub são daquelas raras bandas que têm 3 escritores de canções que são também 3 excelentes vocalistas) equilibra a composição que cresce até uma intensa espiral de guitarras, violino, pratos e que morre no início de "The Cabbage", a segunda faixa, com guitarras sónicas melodiosas. Ao longo das 13 faixas existem momentos verdadeiramente deliciosos: "Radio" com a bateria de Brendan O´Hare a abrir caminho, "Norman 3" ou a última "Gene Clark", na segunda homenagem deste disco ao músico dos Byrds que tinha medo de andar de avião. A primeira chama-se muito apropriadamente "Fear of Flying".

Conhecem aquela boa sensação de redescoberta de um disco que não ouviam há algum tempo? Fico com um grande sorriso nos lábios quando tal acontece. Recentemente foi o que aconteceu com "Thirteen".

THIRTEEN - Teenage Fanclub, 1993

Raymond McGinley - Guitarra e Voz

Norman Blake - Guitarra e Voz

Gerard Love - Baixo e Voz

Brendan O`Hare - Bateria

com:

Mike Hare - Slide Guitar

Ian MacDonald - Flauta

Joseph MacAlinden - Violino e Saxofone

John Cusker - Violino

Pitta

Propósito

O blog "Rebuçados Aleatórios" é um espaço de crítica, de partilha de ideias e de opiniões. Será dada especial importância a temas ligados à música e ao cinema, mas também a outros campos das artes do espectáculo. Alguns "rebuçados" serão mais doces que outros. Outros haverá ainda que nos deixarão um amargo de boca que nem a melhor pasta dentífrica conseguirá fazer sair (pelo menos nas primeiras horas após a degustação do referido "rebuçado").

Espero que gostem e participem com os vossos comentários, opiniões e sugestões.

Pitta